Torso – Art Poster (2026)
62 × 50 cm
Digital Print on Paper
Signed and numbered, edition of 300
₩35,000$30
2011년작 〈Torso〉의 포스터 에디션입니다.
A poster edition of Torso (2011).
62 cm
50 cm
62 × 50 cm
Digital Print on Paper
Signed and numbered, edition of 300
원작Original Work
Digital
Torso, 2011, Digital print, 116 × 92 cm
디지털 작업은 2010년 졸업작품 〈At the Last Judgment〉에서 2011년까지 이어진, 디지털 드로잉을 크게 출력한 작품들이다. 고전 회화와 조각의 주제를 만화와 애니메이션의 양식으로 옮긴 첫 시도였다.
〈At the Last Judgment〉(2010, 디지털 프린트, 380×290cm)는 내가 만화의 양식으로 그린 첫 작품이다. 그전까지는 회화적인 인물화와 여러 습작을 그려 왔는데, 막상 만화의 이미지로 작품을 하려니 쉽지 않았다. 만화의 형식을 익혀 작업에 담기까지는 시간이 오래 걸릴 것 같았고, 작품이면서 동시에 그림 연습이 될 수 있는 것이 무엇일까 고민하다가 군중을 그리기로 했다. 미켈란젤로의 〈최후의 심판〉(1536~1541, 시스티나 예배당 프레스코)이 꼭 맞는 소재였다. 애니메이션의 양식으로 옮겨 그리면 드로잉 연습이 되는 동시에, 첫 작업으로서 충분한 인상을 남길 수 있을 것 같았다. 원작을 들여다볼수록, 경건한 장면 너머로 그것을 그린 창작자의 자세와 의지를 엿볼 수 있었다.
구도는 원작을 따랐다. 가운데에는 심판하는 예수가 있고, 왼쪽에서는 구원받은 이들이 올라가고 오른쪽에서는 저주받은 이들이 떨어지며, 아래에는 지옥으로 가는 배가 있다. 성인들의 지물도 그대로 두었다. 다만 천사들은 생명의 책 대신 노트북과 태블릿을 들고 있고, 지옥의 불 위로는 분홍 구름이 피어오르며, 인물은 대부분 여성으로 그렸다.
〈최후의 심판〉의 맨몸들은 미켈란젤로가 세상을 떠난 뒤 교회의 결정으로 천이 덧그려졌다. 나는 그 천을 다시 걷어 냈다. 원작의 예수는 하늘과 땅을 가르는 엄숙한 자세이지만, 이 그림의 주인공은 소년만화의 소년처럼 발을 헛디뎌 금방이라도 엎어질 듯한 순간에 있다. 그리면서 누가 무엇을 심판하고, 누가 심판받는지를 생각하게 되었다.
높이가 4미터에 가까운 그림을 디지털 드로잉으로 그려 출력했다. 미대에서는 늘 유화를 그렸지만, 무언가를 새로 시작할 때는 매체도 바꿔야 환기가 된다는 생각이 있었다. 당시엔 디지털 회화의 가볍고 무한한 가능성에 매료되어 있었다. 포토샵으로 그리되, 크게 출력해도 선이 깨지지 않도록 대부분 펜 툴로 벡터화했다. 대학 졸업 전시(서울아트센터 공평갤러리, 서울, 2010)에서 처음 선보였다.
졸업 전시 이후 〈Laocoon〉(2010, 디지털 프린트, 230×295cm), 〈Torso〉(2011, 디지털 프린트, 116×92cm), 〈Cronos〉(2011, 디지털 프린트, 116×82cm)를 같은 방식으로 그렸다. 고전의 이야기를 하나씩 애니메이션의 양식으로 옮겨 보는 습작들이었다. 〈Torso〉는 토르소 연작의 첫 작품이 되었다.
〈Laocoon〉은 세 인물을 여성으로 바꾸고, 형형색색의 뱀들에 감겨 뒤엉킨 몸을 붉은색과 초록색의 무늬 위에 그렸다. 2024년의 흑백 연작은 이 그림에서 다시 출발했다. 색과 무늬로 가득했던 화면은 흑백이 되었고, 또렷하던 뱀은 검은 배경 속에 감춰졌다.
〈Cronos〉는 자식에게 자리를 빼앗기리라는 예언 때문에, 태어난 아이들을 차례로 삼킨 크로노스를 그렸다. 오래전부터 시간의 신과 하나로 여겨져 온 신이다. 고야의 〈아들을 잡아먹는 사투르누스〉(1820~1823)에서 주제를 가져왔지만 구도는 다르다. 크로노스는 날개 달린 여성이고, 시간의 신답게 한 손에는 시계태엽이 달린 낫을, 다른 손에는 삼키려는 자식을 든 채 별과 분홍 구름 속을 날아오른다. 잔혹한 장면을 밝고 귀엽게 그렸다.
디지털은 작업할 때는 자유로웠지만, 출력하면 원하는 색과 질감이 나오지 않았다. 화면의 색을 인쇄물에 뜻대로 옮기기 어려운, 당시로서는 기술적 한계였다. 오래 검증된 방법이 확실했고 내가 가장 잘할 수 있는 것이기도 해서, 토르소를 하나의 주제로 파고들기로 하면서 작업의 중심을 다시 캔버스로 옮겼다.
그 뒤로 디지털 드로잉은 주로 회화의 밑그림이 되었다. 컴퓨터 드로잉으로부터 시작된 이미지를 캔버스에 옮겨 그리며 발전시키는 지금의 방식은 이 시기에서 나왔다.
The digital works are large-format prints of digital drawings, made from the 2010 graduation piece At the Last Judgment through 2011. They were my first attempt to carry the subjects of classical painting and sculpture into the visual language of manga and anime.
At the Last Judgment (2010, digital print, 380 × 290 cm) is the first work I drew in the style of manga. Until then I had made painterly figurative work and a range of studies, but when I actually set out to make a work from manga imagery, it was not easy. Learning the form well enough to bring it into my work looked as though it would take a long time, and while wondering what could serve as both a work and drawing practice, I decided to paint a crowd. Michelangelo's The Last Judgment (1536–1541, fresco, Sistine Chapel) was exactly the right subject. Redrawing it in an anime style would serve as drawing practice and, at the same time, make a strong enough impression for a first work. The longer I looked at the original, the more I could glimpse, beyond its solemn scene, the stance and will of the artist who painted it.
The composition follows the original. Christ in judgment is at the center; the saved rise on the left and the damned fall on the right, and below is the boat bound for hell. The attributes of the saints were kept as they were. But instead of the Book of Life, the angels hold a laptop and a tablet, pink clouds rise above the fires of hell, and most of the figures are drawn as women.
After Michelangelo's death, the nudes of The Last Judgment were painted over with drapery by decision of the Church. I took that drapery away again. The Christ of the original stands in a solemn pose that divides heaven from earth, but the protagonist of this picture, like a boy in a shōnen manga, is caught at the instant of missing a step, about to fall flat at any moment. Drawing it made me think about who judges what, and who is judged.
A picture nearly four meters tall, it was drawn digitally and printed. I had always painted in oils at art school, but I felt that starting something new called for a change of medium to refresh my thinking. At the time, I was captivated by the lightness and boundless possibilities of digital painting. It was drawn in Photoshop, with most of it vectorized using the pen tool so that the lines would not break up when printed large. The work was first shown in my university graduation exhibition (Seoul Art Center Gongpyeong Gallery, Seoul, 2010).
After the graduation exhibition I drew Laocoon (2010, digital print, 230 × 295 cm), Torso (2011, digital print, 116 × 92 cm) and Cronos (2011, digital print, 116 × 82 cm) in the same way. They were studies in carrying classical stories, one by one, into the style of anime. Torso became the first work of the Torso series.
In Laocoon, the three figures were turned into women, and their bodies, entangled in the coils of brightly colored serpents, were drawn over a pattern of red and green. The black-and-white series of 2024 set out again from this picture. The surface once full of color and pattern became black and white, and the serpents, once plainly visible, were hidden in the black ground.
Cronos depicts the Titan who swallowed his children one after another at birth because of a prophecy that he would be overthrown by his own child. Cronos was later conflated with Chronos, the personification of time, and came to be regarded as a god of time himself. The subject was taken from Goya's Saturn Devouring His Son (1820–1823), but the composition is different. Here Cronos is a winged woman who, as befits the god of time, holds in one hand a scythe fitted with clockwork and in the other the child she is about to swallow, as she soars up among stars and pink clouds. A cruel scene is drawn bright and cute.
Working digitally gave me freedom, but the prints did not give me the colors and textures I wanted. Reproducing screen colors faithfully in print was a technical limitation at the time. A long-proven method was reliable, and it was also what I could do best, so when I decided to pursue the torso as a single subject, I shifted the center of my practice back to canvas.
Since then, digital drawing has mostly served as the underdrawing for my paintings. My present method, in which an image that begins as a computer drawing is transferred to canvas and developed there, came out of this period.
